• Joakim Milder (saxo tenor)
• Tommy Andersson (contrabajo)
• Martin Andersen (batería)

JOAKIM  MILDER

Joakim Milder nació en Estocolmo en 1965. Se crió en un ambiente familiar donde la música era el denominador común, ya que tanto su padre, su madre y varios hermanos se dedicaban al mundo musical. Al principio mostró poco interés por la música pero de forma repentina se quedó prendado de ella y así continúa hasta ahora. Desarrolló un estilo musical muy personal en su forma de tocar el saxofón y su afán ha sido siempre el de comunicar todo lo que él siente a través de su instrumento. Oye a Coltrane y no imita su sonido sino que lo transforma desde su interior y lo plasma con su estilo tan personal. Según sus propias palabras “La música debe ser creada para comunicar algo, de lo contrario, no tiene interés para mí”. Es una pérdida de tiempo escuchar a alguien que no tenga nada nuevo que comunicar. Este lenguaje musical ha estado presente desde el principio de su carrera, es algo natural en él. Ha aprovechado todos sus conocimientos e influencias musicales hasta lograr su carácter distintivo que lo hace tan interesante y peculiar. La música clásica es una de sus férreas fuentes de inspiración.Joakim Milder debutó en 1988 con Life In Life y recibió el disco de Oro por mejor album del año del jazz sueco de Orkesterjounalen y en 1990 por su segundo álbum, Still In Motion. Además de tener ocho discos bajo su propio nombre, ha participado en la grabación de otros 80 discos con figuras tan relevantes como Red Mitchell, Paul Bley, Stanko Tomasz, Madsen Katrine, Marcotulli Rita, Lyall Chick, Lars Danielsson, Danielsson Palle, Lindberg Nils, Lina Nyberg, Georg Riedel, Schultz Max y Bobo Stenson entre otros muchos.Creó su propio sello discográfico Aparte Records en el año 2003.

TOMMY  ANDERSSON

Tommy Andersson es sin duda uno de los mejores contrabajistas suecos. Su actividad no sólo se limita a tocar sino que además es compositor y arreglista tanto en el campo del jazz como en el clásico o en el folk. Ha colaborado con grandes músicos como Josefine Cronholm, Lelo Nika, Kenny Werner, Paul Bley, Adam Nussbaum, Randy Brecker, Han Bennik, Jerry Bergonzi, David Kikoski, Alex Riel, Daniel Humair, Chris Cheek, Harry Becket, Uf Wakenius, Rune Gustavsson, Ray Anderson, Herb Robertson y John Tchicai. Posee tres discos en solitario, ocho como co-leader y ha participado en más de otros cien.

MARTIN  ANDERSEN

Este joven músico es ya un viejo conocido en Ezcaray. Ha estado presente en muchas ediciones de este festival con diversas formaciones musicales teniendo todas ellas un denominador común, la calidad y seriedad.Es uno de los baterías más prolíficos en el mundo jazzístico. Lo mismo le vemos actuando en Dinamarca, Noruega, Suecia, Italia, España, Sudáfrica, Estados Unidos, Vietnam que en  la misma India.De su calidad musical sobran las palabras, la demuestra día a día en el escenario. Su simpatía personal la traslada a su batería con un resultado espectacular que hace de sus actuaciones auténticas clases magistrales que las recordamos año tras año.Este año lo veremos por partida triple como el único representante danés en este festival que siempre rinde homenaje al admirado  Ebbe Traberg.Martin de Dinamarca y Thommy de Suecia a la batería y contrabajo respectivamente, forman una de las secciones rítmicas más finas y contrastadas actualmente en Dinamarca, actuando y grabando incesantemente como columna vertebral de la afamada New Jungle Orchestra de Copenhague. Juntos tocan con una poderosa y energética sensibilidad cargada de hermosa interacción y fuerza.

• Javier Vercher (saxo tenor)
• Dee Jay Foster (contrabajo)
• Martin Andersen (batería)

Poco importa que Javier Vercher sea madrileño de nacimiento y valenciano de adopción. Defender un origen geográfico sólo tiene sentido si se está dispuesto a morir por él, y no creo que sea el caso del saxofonista, que bien pronto entendió que las fronteras que cabe preservar con la firmeza de las pasiones tienen que ver con las que se encuentran en el territorio de las ideas. Una de ellas le llevó a ampliar su formación en los dominios vernáculos del jazz, primero en Boston y luego muy cerca del lugar en el que Sonny Rollins se dejaba ver en sus periodos sabáticos, allá por el puente de Williamsburg. Con una propuesta menos efervescente que la del también saxofonista Llibert Fortuny, aun así igualmente prodigiosa, el joven Javier Vercher (1974) ha venido ofreciendo con cuentagotas sus apariciones discográficas. Desde aquel ya lejano trío de “Introducing…” (FSNT, 2005), junto a invitados de la talla de Bob Moses y Robert Glasper, pasando por un trío insólito de miras africanas que borda “Wheel of Time” (FSNT, 2007) en compañía de Ferenc Nemeth y Lionel Loueke, hasta su mano a mano con el saxo alto Perico Sambeat que ha quedado registrado en “Infinita” (FSNT, 2009).

Tras sentir de cerca el clamor de vítores ajenos, Vercher está de regreso al hogar —el único, el de su propia música—, aunque no llega solo. Viene acompañado por la fresquísima guitarra de Loueke y el resto de un quinteto que echa de espaldas: todos ellos conocen las labores del mercenariado, aunque hace ya tiempo que pasaron de promesas a realidades insoslayables. Sam Yahel se encarga del piano (a pesar de ser un excelente organista), Francisco Mela sigue ascendiendo al olimpo de los bateristas, y en cuanto a Larry Grenadier, hace ya mucho que alcanzó la talla de maestro con su bajo.

El propio título del trabajo destila los efluvios de la atmósfera meditabunda que pervive en toda la grabación, no únicamente en el tema homónimo. “Style and Grace”, sin ir más lejos, se desarrolla en un ir y venir entre la tradición y la innovación, defendiendo su reflexión de largo aliento siempre desde el terreno de lo acústico. El tenor de Vercher se desdobla en “Vivi,” el único tema que no es de su autoría, sino que lo firma Loueke con muy buena mano. El corte sirve, asimismo, para mostrar las dotes de cada uno de los músicos que acompañan a Vercher en esta aventura. Por momentos recuerda al lirismo de Abdullah Ibrahim con los Ekaya, en otros se destila la ingravidez de los pasajes oníricos más logrados del “Highway Rider” (Nonesuch, 2010) de Brad Mehldau, por poner ejemplos próximos en el tiempo.

Muchas podrían ser la fuentes para Wish You Were Here, aunque la única certeza es que juntos como quinteto, estos magos del sonido (por utilizar el nombre de otra de las composiciones) han conseguido poner en pie uno de los pocos trabajos que pasarán la prueba del tiempo sin dificultades. Si son de los pocos a los que la crisis todavía no les ha vaciado los bolsillos, hagan la prueba: compren dos ejemplares; el primero lo escuchan cuanto gusten, que no serán pocas veces. Metan el segundo en una cápsula del tiempo y ábranla de aquí a una década. Verán que contiene música imperecedera. De paso comprobarán que la carpetilla que la envuelve y preserva también tiene en sus genes esa condición de clásico indiscutible. Esa es también su baza para el futuro.

DEE JAY  FOSTER

Dee Jay Foster, nace en Rota en Marzo de 1980.  A los 18 años se va a estudiar bajo eléctrico a Berklee College of Music en Boston.  Una vez en Estados Unidos, estudia con Pat Martino, Dave Liebman, Joe Lovano, Charlie Banacos, y Jeff Berlin.  Acaba tocando en grupos en Boston y Nueva York con artistas como el Leo Genovese, pianista de Esperanza Spaulding, el trombonista y pedagogo Hal Crook, Ian Froman, batería de David Liebman, y Bob Gullotti, batería de The Fringe.

Además de tocar jazz, Dee Jay también toca en muchos clubs con algunas de las mejores bandas de funk y r&b de Boston. En el 2005, es elegido por Herbie Hancock y Wayne Shorter como uno de tres finalistas para el “Thelonious Monk Institute of Jazz” en Los Angeles.  Desde que se muda a Barcelona en el 2008, ha tocado en el Javier Vercher Quintet, Ernesto Aurignac Quartet, Enrique Oliver Quartet, Roger Mas – Jo Krause Trio, Voro García Quartet, Raynald Colom Quartet, Felix Rossy Quintet, y Llibert Fortuny Trio. También ha trabajado con los siguientes músicos: Gilad Hekselman, Jorge Rossy, David Binney, Bill McHenry, Albert Sanz, Peter Bernstein, Mike Kanan, Eli Degibri, Perico Sambeat, Dayna Stephens, RJ Miller, Avishai Cohen, y Ferenc Nemeth.

MARTIN  ANDERSEN

Este joven músico es ya un viejo conocido en Ezcaray. Ha estado presente en muchas ediciones de este festival con diversas formaciones musicales teniendo todas ellas un denominador común, la calidad y seriedad.

Es uno de los baterías más prolíficos en el mundo jazzístico. Lo mismo le vemos actuando en Dinamarca, Noruega, Suecia, Italia, España, Sudáfrica, Estados Unidos, Vietnam que en  la misma India.

De su calidad musical sobran las palabras, la demuestra día a día en el escenario. Su simpatía personal la traslada a su batería con un resultado espectacular que hace de sus actuaciones auténticas clases magistrales que las recordamos año tras año. Se dio a conocer prácticamente con uno de los grupos daneses más representativos del país nórdico, Pierre Dørge & New Jungle Orchestra. Este año lo veremos por partida triple como el único representante danés en este festival que siempre rinde homenaje al admirado  Ebbe Traberg.

• Peter King (saxo alto)
• Edward Simon (piano)
• Jeremy Brown (contrabajo)
• Stephen Keogh (batería)

Peter King es uno de los más prestigiosos saxofonistas de la escena del jazz europeo. Tanto su larga trayectoria como la extensa discografía que ha producido le han convertido en uno de los músicos de referencia incuestionables del jazz del viejo continente. En 1959 comenzó su carrera tocando junto a Ronnie Scott y ese mismo año la revista Melody Maker lo reconoció otorgándole el premio a la mejor estrella emergente del Jazz. Este importante punto de partida fue el inicio de una carrera repleta de éxitos y distinciones. Además de liderar sus propios proyectos, Peter King ha tocado junto a los grandes nombres históricos del jazz americano, figuras entre las que destacan Maynard Ferguson, Ray Charles, Zoot Sims, Red Rodney, Philly Joe Jones o Nat Adderley. Ha colaborado en proyectos del grupo de rock británico The Rolling Stones y es miembro fijo de la big band de su batería Charlie Watts.

• René Marie (voz)
• Kevin Bales (piano)
• Kevin Hamilton (contrabajo)
• Quentin Baxter (batería)

Camaleónica y sensual, cálida y sentimental, la cantante René Marie pondrá el cierre el sábado por la noche en el Parque Tenorio al XV Festival de Jazz de Ezcaray. Reconocida como la Mejor Vocalista de Jazz por la Asociación de Música Independiente en 2002 y seleccionada entre las cinco Rising Star Female Vocal de 2008 por los críticos de la revista Down Beat, René Marie es conocida ya por su emotividad en escena, sensual a veces, juguetona otras, pero siempre en la línea de las grandes divas del jazz. La cantante y compositora muestra sus impresionantes dotes vocales y su variedad de influencias. Nunca ocultó su reconocimiento a Betty Carter en algunas de sus interpretaciones más insinuantes, aunque en sus temas más sentimentales manifiesta gran respeto por artistas como Sarah Vaughan, Ella Fitzgerlad, Dinah Washington y Nancy Wilson. Marie es sin embargo una artista más enfocada al jazz que Wilson. René Marie suele cautivar a la audiencia por sus camaleónicas interpretaciones y su técnica, que aporta modernidad a la tradición jazzística. La intensidad de sus dramatizaciones seguramente no esté desligada de su propia historia, la vida de una cantante que lo es a contracorriente. Aprendió a contar historias y a emocionar a través de la música cuando era una niña en su pueblo natal de Warrengton, Virginia.

No era más que una adolescente cuando compuso sus primeras canciones y se unió a una banda local que amenizaba los locales cercanos. Se casó con el joven pianista del grupo y tuvo dos hijos. A los 18 años se unieron a un estricto grupo religioso y ambos dejaron las actuaciones públicas, criaron a sus hijos y dejaron la música para el estricto ámbito familiar. Cuando René Marie ya cumplía los 41 y trabajaba en un banco a tiempo completo, su hijo mayor la convenció para volver a cantar en público. Tras un gran debate familiar, comenzó a cantar en un local un día por semana, pero su marido volvió a pedirle que lo dejara. La prueba de que la cantante lleva la música en las venas es que cogió de nuevo el micrófono tras un breve parón, aunque encontró de nuevo la resistencia del marido, que le dio un ultimátum entre sus actuaciones o él. René Marie eligió la música y se divorció después de 23 años de matrimonio. Un año y medio más tarde, produjo su primer Cd, dejó su trabajo en el banco y fichó por una prestigiosa discográfica con la que grabó cuatro discos más entre 2000 y 2004 ganando varios premios. “How can i keep from singing”, primer disco de René Marie para MaxJazz en 2000, estuvo seguido por “Vertigo” en 2001, con el que logró honores como el de situarse entre los primeros 10 puestos de popularidad en las listas de las radios colegiales de Estados Unidos. Con este disco ganó el premio al mejor trabajo discográfico de Jazz Internacional que concede la Academia de Jazz de Francia. Ambos discos fueron producidos por el pianista Bruce Barth. En el álbum, René se expresa a través del jazz directo: «Desde que regresé a los escenarios, descubrí que tengo algo que decir. Normalmente sigo mis sentimientos. Escojo una canción que quiero cantar y dentro de ella encuentro algo que quiero expresar. Muchas veces ni yo misma sé lo que es, hasta que empiezo a cantar». René es uno de los talentos incuestionables de la nueva escena del jazz vocal norteamericano.

• Román Filiú (saxo alto)
• Javier Massó “Caramelo” (piano)
• Alain Pérez (bajo eléctrico)
• Martin Andersen (batería)

Este grupo combina la tradición de la música cubana con los sonidos contemporáneos del jazz actual sin perder su riqueza rítmica. Clásicos como las canciones popularizadas por Bola de Nieve, canciones de Ñico Rojas, danzones y otros géneros de la música cubana se escuchan magníficamente aquí, matizados con un concepto contemporáneo desde el punto de vista estructural y armónico.Combinado con canciones originales compuestas en el espíritu de la tradición musical afrocubana, de la Vieja y la Nueva Trova, mas con una potente línea de solistas hacen de esta banda un regalo para el público que encontrará en su música el lirismo del bolero y el contagio de la música bailable.

ROMÁN FILIÚ
Román Filiú (Santiago de Cuba, 17 de agosto de 1972) nació en un hogar musical en el que el padre tocaba el piano y daba clases de “Teoría de la Música” y sus hermanos tocaban el violín y la guitarra. En la casa se escuchaban discos de Bola de Nieve y Elena Burke, “esas canciones se me metieron adentro”, recuerda hoy Román, quien a los ocho años ya se sienta frente a un piano. Dos años más tarde cambia de instrumento por prescripción facultativa: “Yo era asmático, me recomendaron que tocara saxofón y ya no me dio el asma”. Sigue las carreras de piano y saxo y en este segundo instrumento obtiene el grado superior en el Instituto de Arte de La Habana. Si a los ocho años ya daba conciertos de piano de música clásica cubana, en el saxo alto se estrena profesionalmente en 1991, con una banda de música bailable, Los Dang. Un año más tarde se incorpora a la orquesta del salsero Isaac Delgado, en la que conoce a músicos con los que luego desarrollaría su carrera. Y en el 99 entra en la legendaria banda Irakere, en la que permanece hasta 2005. Con Irakere graba dos discos y un tercero con el cuarteto de Chucho Valdés, “New Conceptions”, que obtiene un Grammy Latino. En los mismos años graba con Gonzalo Rubalcaba y dos músicos estadounidenses de avanzada: David Murray y Steve Coleman. Con este último mantiene una cercana amistad y lo sitúa, junto a Charlie Parker, entre sus “ídolos”: “Me han influenciado más tenores, que altos. Me gustan Wayne Shorter, Sonny Rollins, John Coltrane. En el tenor, el abanico es más amplio que en el alto”. Escuchado en disco y en concierto se puede reconocer en Filiú una voz personal en su instrumento: “Me enfoco mucho en eso. Al principio me parecía mucho a mucha gente y yo me daba cuenta. Es importante tener una voz propia”.

Estando de gira con el cuarteto de Chucho Valdés, Filiú decide asentarse en Madrid en mayo de 2005. Pronto se incorpora a la vida musical de la ciudad y encuentra viejos y nuevos colaboradores: “Este quinteto salió de la “jam” de Caramelo. Estábamos tocando Noah, Yelsy, Carlitos, Caramelo y yo. Yo tenía un sexteto en Cuba y quería tener aquí un vehículo para componer y para grabar”. En el estudio de grabación, Filiú optó por dos pianistas, Iván “Melón” Lewis y Pepe Rivero: “Con “Melón” estuve en una banda en la escuela. Tiene una gran facilidad para la música y toca muy dulce. Los pianistas tienen que sonar como una orquesta y a “Melón” le sucede así. Y Pepe Rivero estudió conmigo desde los catorce años. Aprendimos juntos. Es un pianista sensacional y quería hacerle parte del proyecto”. Filiú comparte línea frontal con Carlos Sarduy, trompetista de 21 años: “También había tocado con él en Cuba. Tocaba perfecto la música cubana. Él vino a Madrid en septiembre de 2005   y me impresionó que en cinco meses, no tenía nada que ver con lo anterior. En escena tiene mucha fuerza y todos los días me sorprende

• McCoy Tyner (piano)
• Gary Bartz (saxo alto)
• Gerald Cannon (contrabajo)
• Francisco Mela (batería)

McCOY TYNER

No es una exageración decir que McCoy Tyner ha dado forma al jazz moderno. Su blues basado en el piano, lleno de sofisticados acordes y una explosiva mano izquierda, ha trascendido los estilos convencionales para llegar a ser uno de los sonidos más  identificados en la música improvisada. Sus contribuciones armónicas y sus mecanismos rítmicos han dado forma al vocabulario de la mayoría de los pianistas de jazz

Nacido en 1938 en Philadelphia, formó parte del R&B y del jazz fértil de principios de los años 50. Ya desde una temprana edad sus padres le inculcaron el amor por la música. Su madre le animó a explorar su interés musical con clases. El joven pianista cayó en el hechizo del blues y destacó muy pronto en las jam sessions que organizaba su madre en la tienda de cosméticos, además de ganar algunos premios. La decisión de McCoy de estudiar piano fue reforzada cuando conoció al legendario pianista de bebop Bud Powel, que era un vecino de la familia. Otra gran influencia de McCoy fue Thelonious Monk, cuya afición por la percusión marcó el estilo personal de Tyner. Como adolescente durante los años 50, Tyner a menudo encontraba oportunidades para aprender directamente de los notables músicos establecidos en Filadelfia durante aquellos años, como el trompetista Lee Morgan y los Heath Brothers.

A los 17 años, conoció a John Coltrane, lo que cambiaría su futuro profesional. Mientras Tyner esperaba pacientemente a que Coltrane dejase el grupo de Miles Davis, para formar su propio grupo; otro saxofonista, Benny Golson le invitó a juntarse con él y el trompetista Art Farmer, y formaron una banda en Nueva York, “Jazztet”.

Pianista y compositor norteamericano, McCoy Tyner tuvo la fortuna de que su madre, pianista, le estimulara en sus comienzos y desde 1953 dirige su propia formación de jóvenes músicos. Vecino de los hermanos Powell, Richie y Bud, perfecciona con ellos el conocimiento de la armonía y del uso de los pedales. A mediados de los años 50 trabaja también con orquestas de Philadelphia, una ciudad particularmente viva desde el punto de vista de la improvisación musical gracias a la presencia en ella de instrumentistas tan sólidos como, Lee Morgan, Benny Golson o Helen Grimes. Durante este período acompaña a solistas de peso como Kenny Dorham, Jackie McLean, Benny Golson, Sonny Rollins o Max Roach. En 1956 conoce a John Coltrane, con quien toca en el “Red Rooster” durante una semana. Compone para el saxofonista, “The Believer”, una de sus composiciones, y éste la graba al año siguiente.En 1959, ofrece algunos conciertos en San Francisco con Art Farmer y Benny Golson, quienes le contratan en el seno del “Jazztet”, grupo con el que graba su primer disco. A continuación vuelve a encontrarse con Coltrane (1960-1965), ingresando en su cuarteto en sustitución de Steve Khun. Paralelamente grabaría como líder, a lo largo de estos seis años, varios álbumes con otros músicos: Roy Haynes, Clark Terry, Thad Jones, etc. Coltrane encontró en Tyner el tipo de pianista que a modo y semejanza de Bill Evans, se manejara con comodidad y soltura en el ámbito del jazz modal. En 1962, McCoy Tyner grabó para “Impulse!” su primer disco como líder, el titulado “Inception”, con Art Davis al contrabajo, y Elvin Jones a la batería.

En 1963, Tyner resultó vencedor en el referéndum anual de la revista “Donw Beat” dentro de la categoría de “newstar” y sus discos para “Impulse!”, una vez fuera del grupo de Coltrane en esos años, son todos excepcionales destacando por su brillantez: “Night of Ballads & Blues” (Impulse, 1963) y “Live in Newport”, también en ese mismo año. En 1966 funda su propio trío, e inicia una carrera como freelance que lo conduce a los confines del mundo y a tocar con los músicos mas diversos y en 1967, firmó un contrato con la Blue Note, y en su debut discográfico con el sello azul, dejó un extraordinario álbum titulado: “The Real McCoy”.
Tras su paso por Blue Note, y consagrado como uno de los grandes pianistas del hardbop, McCoy Tyner, firmó por el sello

Milestone y ese mismo año graba una obra maestra titulada: “Sahara” considerado por Down Beat, como el mejor disco de jazz del año. En 1973, graba otro extraordinario disco “Enlightment” y sus contratos se multiplican por todo el mundo. En 1978 forma parte de una gira de “All Stars” del sello Milestone junto a Sonny Rollins, Ron Carter y Al Foster, y graba uno de los grandes discos en directos del jazz moderno. En 1987 es, evidentemente, uno de los principales músicos de una gira internacional en homenaje a Coltrane y se presenta en trío con el contrabajista, Avery Sharpe, y el baterista, Louis Hayes.
McCoy Tyner, no solo es un extraordinario pianista, y extraordinario representante del estilo modal, sino que por la delicadeza de su toque, por la búsqueda de una sonoridad siempre brillante y el carácter ornamental de sus improvisaciones, es uno de los grandes músicos de jazz moderno. El rol que desempeñó en el seno del cuarteto de Coltrane, le ha marcado, sin duda, de forma irreversible, y siempre para bien: el pianista del sosiego, la suavidad, la serenidad y la certeza; lo contrario de los furores inquietos de su líder.

GARY BARTZ

Lee Gary Bartz nació el 26 de septiembre de 1940 en la ciudad de Baltimore, Estados Unidos. A la edad de once años comenzó a tocar el saxofón alto. Estudió música dos años en la Juilliard y en el Conservatorio Peabody. En el año 1964, comenzó a tocar con Max Roach. En los años siguientes 1965-66, se unió a la banda de Art Blakey y The Jazz Messengers. Luego estuvo con McCoy Tyner y Blue Mitchell. En los años 1970-71, se incorporó a la banda de Miles Davis sustituyendo al saxofonista Wayne Shorter, lo cual contribuyó a acrecentar su fama. Uno de los períodos de mayor reconocimiento han sido sus actuaciones con McCoy Tyner, que incluyó los clásicos discos del pianista “Expansions” y”. “Extensions”

Esta asociación fue especial para Bartz, debido a la estrecha relación de Tyner con John Coltrane a quien el saxofonista cita como una de sus grandes influencias. A mediados de los setenta sus grabaciones se orientaron hacia la música funk. Su álbum de 1977 “La música es mi santuario” está considerado como uno de los mejores álbumes de fusión de su generación.

• Carla Cook (voz)
• Albert Bover (piano)
• Dee Jay Foster (contrabajo)
• Joan Terol (batería)

Carla Cook es una atrevida cantante de jazz que transforma cualquier tema musical al mundo del jazz. Hasta que no la escuchas no imaginas que se pueda interpretar una canción de esa manera.Nació en Detroit, criándose en un ambiente musical rico y diverso. Esas influencias las transmite en su repertorio, donde lo mismo podemos encontrar elementos del R&B , que música clásica, blues, gospel…etc. Siempre ha evitado las etiquetas negándose a ser una purista del jazz. Sólo le gusta cantar, igual canta puro jazz que canta a grandes músicos del pop, como Simon&Garfunkel, Marvin Gaye o Neil Young entre otros, con una frescura inimaginable.  Comenzó a cantar en su ciudad desde muy pequeña formando parte de diversas formaciones, para trasladarse después a Boston donde se graduó en la Northeastern University. Se ganaba la vida cantando en varios locales de la ciudad hasta que en 1990 se mudó a Nueva York para proseguir sus estudios de canto al mismo tiempo que trabajaba  en diversos clubs de Manhattan. En 1998 firma con el sello MAXJAZZ, especializado en voces femeninas, un contrato y tras el primer trabajo “It’s All About Love”  obtiene tan buenas críticas que es nominada al Grammy en la categoría Best Jazz Vocal Performance. Las posteriores grabaciones “Dem Bones” y “Simply Natural”  la han consagrado como una de las mejores cantantes de jazz.

Albert Bover

El pianista barcelonés Albert Bover es uno de los referentes del jazz español. Hace mucho tiempo que la crítica especializada le consideró como el sucesor del gran Tete Montoliu, pero Albert ha desarrollado su propio lenguaje y tiene voz propia en el panorama del jazz contemporáneo. Su carrera como líder de su propio trío le ha llevado a tocar en los escenarios más importantes del viejo continente, además de protagonizar una discografía que los medios han elogiado y adjetivado como jazz de primera línea. No hay que olvidar que Albert Bover no sólo es un líder sino también un pianista reclamado por grandes jazzmen nacionales e internacionales como Art Farmer, Sheila Cooper, Bruce Barth (con quien protagonizó dúos pianísticos de gran belleza) o Perico Sambeat entre otros.

domingo 10 julio. 13:00 h. PLAZA DE LA VERDURA.CONCIERTO HUMANITARIOABA TAANO “LA ALEGRÍA DE ÁFRICA”

• Nabbaale Harriett –  Mezzo
• Nakandi Joan –  Contralto
• Kamogga Morris –  Baritone
• Ssenteza Derrick – Bass
• Mayanja Louis  – Bass

Aba Taano

5 voces cálidas, 5 chicos y chicas llenos de humor, alegría y dinamismo.  Cantos escenificados, movidos, amenos.  Una música distinta, un planteamiento original, un repertorio propio y muchísimas tablas son las características de estos 5 jóvenes ugandeses, que han recorrido todos los auditorios de España con el coro Uganda Natumayini  durante los últimos tres años,  un coro con un proyecto humanitario importante,  así como con Omutima Gwa Afrika.

Los componentes de ABA TAANO que en lugandés significa  ”los cinco”, reside normalmente en Uganda. Cantan en swahili, lugandés, fang, zulu, lutoro, acholi y runyancore entre otros idiomas de sus ancestros.   Han recorrido con Uganda Natumayini y Omutima Gwa Afrika escenarios tan importantes como Teatro Real y Auditorio Reina Sofía en Madrid, Baluarte de Pamplona, Teatro Arriaga en Bilbao, Teatro Central y Lope de Vega en Sevilla. Teatro Principal de Orense, Teatro Falla de Cádiz, Teatro Circo en Albacete, Palacio de Exposiciones y Congresos en Teruel, Teatro Palau de la Música en Barcelona, etc.
Como Aba Taano, han actuado en Uganda en tres salas de la ciudad de Kampala, en España en diversas ciudades como Madrid, Segovia, Ávila, Santander, Aranjuez, Bilbao y Barcelona. Representaron a África en la Expo de Zaragoza 2008, actuando durante una semana, en el mes de Agosto,  8 veces al día en el Pabellón de África Subsahariana.
En el 2009 han actuado durante el mes de mayo en España, la primera semana de Junio estuvieron realizando una serie de conciertos en Holanda con un éxito tremendo en Muideberg,  Hilversum, Lochem, Wiej Bij Duurnsted, Bewewick, y en un programa de radio en el Concertgebouw de Amsterdam.  En Noviembre 2009 han estado de gira por toda Estonia y España. En Diciembre en Canarias, Hungría y de nuevo a España.  En Julio en Francia cerrando el Festival de Boulogne sur mer. En Septiembre abrieron el Festival de Flandes de Gante (Bélgica). En Noviembre, vuelven a Holanda para una serie de 4 conciertos.
Han actuado para la radio de Aragón en Zaragoza, Vaughan Radio en Madrid, RNE y la Radio Nacional Holandesa.

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